Ingrid Rubio hace inolvidable a "La Estrella".

El cine social a la española sigue estando vivo como género en sí mismo y La Estrella, debut en la dirección del habitual productor Alberto Aranda, va tras los pasos de manera indisimulada de este tipo de cine de larga, aunque joven, tradición en nuestro país, con las películas de Fernando León de Aranoa como puntas de un iceberg que, para bien o para mal, siempre ha logrado aunar en un mismo plano narrativo el drama social y la comedia costumbrista. Bajo este disfraz, La Estrella, adaptación de la novela homónima de Belén Carmona, también guionista de la película junto a Aranda, se muestra incapaz de aportar nada absolutamente novedoso al género, ni en su parte narrativa ni en su aspecto estrictamente técnico. En la primera, la película parte de los tópicos consabidos acerca de ciertas lacras sociales, mil veces vistas ya en otras tantas películas (la violencia de género, el racismo, los tejemanejes urbanísticos) y en su desarrollo y resolución se limita a aplicar con pulcritud los entresijos y giros argumentales establecidos por el manual, generando así una trama en su mayor parte previsible, que además tampoco nos es ofrecida a través de un envoltorio atractivo. 

Lo que engancha, no obstante, del desarrollo de una película como La Estrella es que, aún no aportando nada nuevo, aún no mostrándonos nada que no hayamos visto antes, Aranda y Carmona nos estampan su historia manifestando a cada paso un amor y un cariño innegables hacia cada uno de los personajes. Así, a pesar de que éstos están descritos vagamente y apenas superan el nivel de meros bocetos, se palpa en las imágenes de la película la ternura y la comprensión que desprenden hacia sus creadores, que los miran/filman con un profundo pero mimoso respeto. Esto y el que, siendo el tema del maltrato sobre el que se sustente el drama principal de la película, éste quede siempre recluido en un segundo plano narrativo, cobrando protagonismo un espíritu vitalista y arrollador que viene a querer decirnos algo así como que, a pesar de todo, la vida vale la pena vivirla y que hermana a la película con ¿Por qué se frotan las patitas? (2006), de Álvaro Begines, de similar corte y alcance. De igual modo que en ésta, Aranda trata de equilibrar con más voluntarismo que acierto un siempre difícil tránsito (cinematográfico) entre drama, comedia y tragedia y, aunque no logra hacer cátedra en ninguna de las tres materias, sí consigue imprimir a su película una constante y agradecida simpatía.

Este feliz eje tonal es lo que ayuda a soportar el visionado de una película que, en su alcance técnico, se queda en mera funcionalidad, lo que denota una falta de inventiva evidente por parte de su creador, que se limita a filmar su historia a través de un lenguaje cinematográfico pulcro, sí, pero también excesivamente reconocible, que abusa sobremanera del primer plano, acusando un servilismo de toda la puesta en escena hacia el trabajo de los intérpretes, que son, en definitiva, el motor que hace avanzar a La Estrella. La naturalidad y el costumbrismo desde el que ejecutan sus labores interpretativas la plana mayor del heterogéneo reparto de la película supone el mejor obstáculo para salvar la impericia y la obviedad en la que se hayan dibujados sus tipos. Y, afortunadamente, lo que podría redundar en un tipismo gratuito y chabacano, termina siendo un muestrario sumamente tierno y complaciente de unos personajes poco desarrollados pero franca y cariñosamente reconocibles.

Carmen Machi se involucra con sobriedad en la piel de su ama de casa maltratada y sortea con éxito el cliché inherente a su personaje y, al mismo tiempo, logra desprenderse moderadamente del personaje televisivo que la hizo famosa y en cuyos brazos podría haber sido fácil caer en determinados pasajes. Si su alcance dramático en la cinta no resulta efectivo es, precisamente, por el segundo y conveniente lugar al que queda reducido su personaje en la narración, en beneficio de la actitud última del film. Marc Clotet también evita caer en la chapucera facilidad a la hora de enfocar y exponer ante la cámara la dualidad interna de su rol, aportando verdad y sentido a las motivaciones algo superficiales e impostadas del mismo. Fele Martínez cumple con corrección como ese seductor campechano, mientras Carlos Blanco hace lo que puede con un personaje terriblemente poco bosquejado. En menor medida, las veteranas Fanny de Castro y María Alfonsa Rosso retoman sus registros más populares para decorar con su presencia una película que, en definitiva, no merecería mayor atención sin el protagonismo exhultante, arrollador y entregado de una fantástica Ingrid Rubio. Sólo ella, su fresca fotogenia y su radiante exposición de talento, justifican el visionado de la película. Como la Estrella del título, la actriz se marca uno de sus mejores trabajos cinematográficos de toda su carrera, recorrido por una frescura contagiosa, que hace irresistibles sus puntuales momentos cómicos, y una implicación emocional con su rol pasmosa, puesta de manifiesto a lo largo de todo el metraje y cuyo punto álgido es la trágica y brillante transición emocional que protagoniza en una de las clases de flamenco y en la que el trabajo metódico de la actriz queda sensacionalmente oculto tras la plasmación vívida de los pensamientos del personaje. Una interpretación luminosa y desenvuelta que no desmerecería figurar entre las favoritas a los próximos Premios Goya.

Puntos fuertes a los Goya 2014:
- Mejor Actriz: Ingrid Rubio.
- Mejor Actriz Secundaria: Carmen Machi.
- Mejor Canción Original: Jairo Perera "Muchachito".

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"La Estrella" luchará por imponerse a la memez yanqui de "Fast & Furious".

¡¡Ya es viernes!! Llega el momento de que la cartelera se renueve, de que aterricen nuevos títulos en las marquesinas y se nos acumulen las películas para ver. Este servidor tiene todavía pendientes de visionado tres del viernes pasado (que, a buen seguro, caerán hoy). Y es que esto de seguir tan a rajatabla la actualidad cinematográfica (menos mal que sólo la nacional) acarrea algunos inconvenientes. Este viernes se lanzan al ruedo dos títulos españoles más y la oferta cinematográfica de nuestra industria ya no puede ser más atractiva. Cine indie y cine social se dan la mano para encontrar su público.

Y Chaika, atípica co-producción entre España, Georgia y Rusia, segundo largometraje de Miguel Ángel Jiménez tras su ópera prima Ori (2009), bastante bien recibida por la prensa especializada en el Festival de San Sebastián, lo tiene fácil para dar con su audiencia potencial y es que el estreno de esta minoritaria co-producción europea lo acoge, en exclusiva, la Cineteca del Matadero de Madrid, con un público verdaderamente fiel y entregado a la causa de descubrir nuevos, diferentes y sugestivos productos cinematográficos fuera de las vías convencionales de producción en la industria. Chaika es una historia de amor entre una prostituta y un marineno perdedor, reconstruida entre dos largas estaciones; el eterno invierno de Siberia y el verano en las polvorientas estepas de Kazajistán. El joven Tursyn regresa a casa para enfrentarse a lo que queda de su familia: un viejo nómada a punto de morir y un padre náufrago. Los dos harán emerger los vagos recuerdos que Tursyn tiene de su madre. Chaika es la aventura de unir esos recuerdos que la vida ha dejado dispersos en los páramos más recónditos de la tierra, casi en el fin del mundo. Suena a cine difícil, complejo y, desgraciadamente, también invisible, digno, en el mejor sentido, de una oferta como la programación de la Cineteca. Avalada por una casi inexistente presencia en los medios de comunicación, lo que podría provocar el que pasase completamente desapercibida y quedase condenada al olvido, Chaika está compuesta por un reparto eminentemente georgiano y, por consiguiente, absolutamente desconocido aquí, formado a partir de un cásting de unas 500 personas en Tbilisi, donde está la sede de Cine Tech, la productora georgiana que ya participó en la anterior película de Jiménez, quien confesaba en una entrevista reciente para El Blog del Cine Español: "Nos basamos en la intuición y encontramos a personas que aportaban mucha veracidad, así como ternura y dureza a la historia". Os dejamos con su evocador y fantástico tráiler para que vayáis haciendo ganas de verla:

Por su parte, La Estrella, debut en la dirección del habitual productor Alberto Aranda, buscará hacerse un hueco por los cauces convencionales. Eso sí, cuenta con el beneficio de tratarse de una comedia dramática de marcados tintes sociales centrada en un universo femenino que siempre sabe encontrar su audiencia en nuestro país. Además, esta producción de A Contraluz Films, de cuya distribución se hace cargo Splendor, cuenta con el aval de venir protagonizada por una actriz del talento de Ingrid Rubio, muy bien acompañada por la prestigiosa Carmen Machi, con un marcado tirón popular gracias a su exitoso pasado televisivo. Completan el reparto Marc Clotet, Fele Martínez, Carlos Blanco y María Alfonsa Rosso. La Estrella nos contará la historia de la Estrella del título (Rubio), una optimista chica de barrio, que trabaja como limpiadora y vive con su novio en un humilde apartamento de Santa Coloma. Conserva su alegría y entusiasmo a pesar de las dificultades que la rodean, especialmente los malos momentos que está viviendo una compañera de trabajo (Machi). Espíritu positivo y luchador unen fuerzas en esta trama en la que tiene cabida la denuncia a un tema tan desgraciado como es la violencia de género. Presentada oficialmente a los medios en el pasado Festival de Málaga, dentro de la sección no competitiva Málaga Premiere, La Estrella dejó buen sabor de boca entre los afortunados que pudieron contemplarla, como leemos en Cinema ad hoc, pero estuvo lejos de entusiasmar, tal y como evidencia la opinión recogida en Cinema Bites.

¿Bienvenido Mr. Marshall?

Pues si de entrada os comunico que el estreno más rimbombante, más ruidoso y publicitado procedente de Estados Unidos esta semana es Fast and Furious 6 (A todo gas 6), de Justin Lin, ciertamente Mr. Marshall podría haberse quedado comiendo hamburguesas tan ricamente en su sofá. O, mejor, vayámonos a comer hamburguesas antes y por encima de acercarnos a ver una película como ésta, encima quinta secuela de una saga verdaderamente insultante, desde un punto de vista estrictamente cinematográfico. Como la saga ha generado importantes beneficios y, lo peor de todo, innumerables fans, a Hollywood no se le podía escapar seguir aprovechando el rendimiento de un filón como éste. Si hace doce años (sí, sí, cómo pasa el tiempo) ya nos lamentábamos de que la primera entrega hubiera llegado a producirse, en este momento resulta gratuito y zafio el que se pretenda seguir estirando tremendo producto efectista y vacuo. El responsable de esto es Justin Lin, quien recuperó la franquicia allá por el 2006 perpetrando la tercera entrega de la misma, Fast & Furious: Tokyo Drift (A todo gas: Tokio Race), y luego terminó convenciendo a sus originarias estrellas protagonistas de la primera entrega, Paul Walker y Vin Diesel, para reincorporarse a la saga en el capítulo cuarto, quizás con la excusa de revitalizar a nivel comercial unas trayectorias cinematográficas francamente desenfocadas. Para redondear el producto y ofrecer un nuevo gancho, no sea que la fórmula ya no resulte lo suficientemente atractiva para los fans, ahora incorporan al impertérrito y nefasto Dwayne Johnson. A título personal, el único gancho posible para este servidor es asistir a un nuevo y desastroso paso cinematográfico de nuestra Elsa Pataky en su trayectoria internacional, recuperando el pequeño papel que ya ejecutó en la quinta entrega de la saga. Eso y la autoría de su banda sonora, debida al joven compositor español Lucas Vidal. La buena noticia de la llegada a los cines de este inefable blockbuster es que, quizás, anime un poco la taquilla nacional y haga acudir en masa a los cines a todos los fans de las emociones fuertes, rápidas e insustanciales. Su distribuidora, la todopoderosa Universal, la va a sacar en nuestro país en la friolera de 626 pantallas de 362 cines (y sólo 5 salas ofreciendo la versión original subtitulada, claro que eso de leer subtítulos en medio de tan vertiginosas carreras automovilísticas no es un negocio realmente rentable). Así, se estima que recaude, siendo muy optimistas, unos 12.570€ por complejo y 7.270€ por pantalla.

El otro gran estreno estadounidense del día es Dead Man Down (La venganza del hombre muerto), debut en la cinematografía hollywoodiense del sueco Niels Arden Oplev, responsable de la primera adaptación del original literario Millenium (2009). Y no se podía haber estrenado de forma peor. Unánimemente descalificada por la gran mayoría de la prensa especializada, sirvan de ejemplo los artículos publicados en The Guardian o en The New York Times, la película tampoco convenció a su paso por la cartelera USA, donde recaudó $5,3M (€4M) en su primer fin de semana, hace ya un par de meses. Su distribuidora, eOne, le otorga propiedad de título importante y la saca en 168 cines y 175 pantallas con 122 copias digitales (2 de ellas exhibiéndose en versión original subtitulada), pero el batacazo parece estar ya bastante anunciado, sobre todo tratándose de una película cuya sinopsis es la siguiente: Victor es la mano derecha de Alphonse, un mafioso neoyorquino que vive bajo la amenaza de un asesino que está matando a todos los miembros de su banda. Victor conoce a Beatrice, una misteriosa francesa que vive en su mismo edificio y por la que empieza a sentirse atraído. Pronto descubre que la mujer ha sido víctima de un crimen y busca venganza. Pero ella también descubre que Víctor pretende vengar la muerte de su mujer y de su hija. Estos dos seres heridos y obsesionados llevarán a cabo juntos un oscuro y violento plan de venganza. ¿Os suena? Tampoco el protagonismo de una pareja tan poco comercial puede que la ayude a triunfar. Colin Farrell es un actor bastante mediático, pero ha demostrado su inoperancia para movilizar a las masas, no contando con grandes éxitos de taquilla en su filmografía. Y la versátil Noomi Rapace sigue siendo un rostro más apto para producciones independientes. Les secundan Armand Assante, Terrence Howard, Dominic Cooper y una inesperada Isabelle Huppert, diosa del cine francés que, casualidades del destino, se hace este fin de semana doble hueco en nuestras carteleras.

Pero antes de seguir hablando de Huppert, terminamos con los estrenos norteamericanos del día y lo hacemos con el agradable y vistoso vehículo que Jake Schreier ha confeccionado en su ópera prima, Robot & Frank (Un amigo para Frank) (2012), para el talento tantas veces desperdiciado de ese actorazo, casi siempre secundario, que es Frank Langella. La película, ganadora del Premio del Público en el pasado Festival de Sitges, nos cuenta como en un futuro no muy lejano, la integración de los robots en la vida humana hará posible que surjan androides programados para cuidar de personas mayores. Esa es la solución que encuentran Hunter y Madison para su anciano padre Frank, cuyas pérdidas de memoria son cada vez más frecuentes. Tras vencer su aversión inicial por la tecnología, el robot será para Frank un amigo atento y preocupado por su bienestar que contribuirá a su mejoría. Lo malo es que entonces se despierta en el anciano el deseo de volver a ejercer como ladrón de joyas. Ciencia-Ficción de andar por casa, intimista y sin grandes pretensiones, Un amigo para Frank estará en 92 pantallas de nuestro país y es que su distribuidora, A Contracorriente, parece darle trato de cinta independiente. Beneficiaria de buenos comentarios por parte de la crítica, que sobre todas las cosas destacan el impresionante y magnífico despliegue interpretativo de su veterano protagonista, como leemos en Arizona Republic o en el Philadelphia Inquirer, la película ofrece la posibilidad de recuperar a tres interesantes intérpretes jóvenes bastante desubicados últimamente como James Marsden, Liv Tyler y Peter Sarsgaard, así como reencontrarnos con el mito de Susan Sarandon, actriz que desperdiciaba su talento hace no mucho con el estreno de La gran boda.

Del Reino Unido nos llega este fin de semana The Trip (2010), una de las últimas películas del interesante realizador Michael Winterbottom y del que llegan títulos a nuestras carteleras con cuentagotas. De hecho, tiene tres películas más posteriores a ésta que tampoco han llegado a nuestras salas. La que ahora nos ocupa, es la adaptación al cine de una miniserie de seis episodios de igual nombre llevada a cabo por el propio director también en 2010 para la BBC. En ella, un hombre (Steve Coogan) es seleccionado por The Observer para recorrer los mejores restaurantes del país, lo que le permitiría hacer un estupendo viaje con su novia. Pero, cuando ella lo abandona, no tiene más remedio que conformarse con la compañía de un extravagante amigo (Rob Brydon). Comedia sencilla y poco trascendente que, a pesar de lo poco atractivo de su propuesta, se ha convertido en uno de los títulos de Winterbottom más brillantemente recibidos por la prensa especializada, tal y como demuestran las críticas vertidas por el San Francisco Chronicle, el New York Times, el Chicago Tribune o el Chicago Sun-Times. En definitiva, una road movie gastronómica que, a buen seguro, no defraudará los paladares cinematográficos más exquisitos y exigentes.

Y ahora sí, nos dejamos llevar por nuestra vena mitómana y abordamos el estreno de Da-reun na-ra-e-suh (In Another Country - En otro país) (2012), de Hong Sang-soo, cinta de Corea del Sur que gustó mucho en su pasada presentación en el Festival de Cannes 2012 y cuyo gran gancho supone el protagonismo de esa turbia, desconcertante, ejemplar y magnífica actriz que es Isabelle Huppert. La sinopsis oficial nos habla de una joven y su madre que huyen a la ciudad costera de Mohang para eludir las deudas que han contraído. La joven empieza a escribir un guión para un cortometraje que tiene como protagonistas a tres mujeres llamadas Anne. Las tres llegan a Mohang y allí reciben la ayuda de la dueña del motel donde se hospedan y la de un socorrista que vagabundea por la playa. Estamos ante una película abiertamente fuera de lo convencional, saludada con muy buenos comentarios por la prensa internacional, como en el New York Times, así como también en las distintas crónicas de medios españoles sobre el festival (El Mundo, La Razón), una comedia decididamente distinta que, sin embargo, disfruta de un estreno bastante limitado, pues Golem la saca solamente con 7 copias (4 digitales y 3 analógicas) y todas ellas, como debería ser norma, en versión original subtitulada.

La Mujer parece la gran protagonista de este fin de semana de estrenos, pues a la llegada de la española La Estrella, se suman también dos propuestas minoritarias y casi invisibles sobre el universo femenino desde Italia y Argentina. La primera es Maternity Blues (2011), de Fabricio Cattani, que llega con dos años de retraso a nuestras carteleras. Se trata de una exploración del alma femenina, a la que se suele atribuir un instinto natural que la inclina a la maternidad. Al mismo tiempo, trata de comprender cuáles son las razones que llevan a algunas mujeres a asesinar a sus hijos. Cuatro mujeres distintas abordan su destino con cinismo o fragilidad, pero todas están unidas por un sentimiento común de culpa. Y la segunda es Madres de mayo (2010), de Pablo Yotich, que llega también con bastante retraso. Es la historia de una joven pareja que sufrió los trágicos acontecimientos de la Argentina de finales de los setenta. Él, debido al embarazo de su novia,, decide abandonar la militancia política, sin saber que los militares los están buscando. Tras ser arrestados y conducidos a un centro de reclusión clandestino, serán salvajemente torturados. Su hija Natalia será educada por una familia de la burguesía militar. Pero, con el tiempo, la chica decide investigar la verdad sobre sus orígenes y su autentica identidad.

Hasta aquí el repaso semanal a las novedades cinematográficas de este fin de semana que, esperamos, invirtáis en, por lo menos, una buena sesión de cine, a poder ser en versión original subtitulada.

¡¡¡Un saludo, Sinvergüenzas!!!

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Estrellas para un cine invisible este mayo de 2013.

Nuevo mes para pocas estrellas. Con el palmarés del reciente Festival de Málaga Cine Español todavía fresco en la memoria de la gente, en mayo aterrizarán algunos de los títulos que han formado, de una u otra forma, parte de la primera gran cita del cine nacional del año, tratando de rentabilizar en su carrera comercial las impresiones vertidas durante tan importante semana para el sector. No obstante, las cintas españolas que se aventurarán este mes a hacerse un hueco en las salas son, mayoritariamente, minoritarias. Cintas pequeñas que, muy probablemente, pasarán inadvertidas para el gran público, a excepción de, quizás, la primera de ellas. De este modo, este mes de mayo se presenta, a priori, bastante desierto en lo que a poder de convocatoria en las taquillas se refiere. ¿Hablaremos en los mismos términos de la calidad global de las cintas?

La mula, anónima.

El morbo y la polémica preceden a la llegada a las salas de uno de los, comúnmente denominados, títulos malditos del cine contemporáneo. Maldito por los avatares presupuestarios y legales que afectaron primero a su rodaje, con enfrentamiento público entre su director primigenio, el británico Michael Radford, y la productora española Alejandra Frade y que tuvieron como consecuencia el abandono del proyecto, casi al final del rodaje, del primero, renegando desde ese mismo momento de la cinta (razón por la que a día de hoy llega a nosotros de manera "anónima"); y después a su calificación pertinente desde el ICAA, lo cual provocó el que La mula se haya pasado los dos últimos años aguardando una sentencia que determinase su libertad para ser distribuida con normalidad. Montada sin la supervisión estricta de su máximo creador (su director), La mula veía por fin la luz dentro de la Sección Oficial a concurso del pasado Festival de Málaga, de donde salió victoriosa al obtener el premio al mejor actor. Sorpresa mayúscula, en todos los sentidos, pues ahí donde todo el mundo esperaba encontrar otro gran título echado a perder (con el caso reciente de la también muy polémica Manolete (2008), de Menno Meyjes, aún en la cabeza), la opinión generalizada de los medios especializados ha sido inesperadamente positiva, lo cual genera aún mayor expectación ante su inminente llegada a las salas el próximo 10 de mayo. Esto y contrastar la cacareada madurez interpretativa de su protagonista, Mario Casas, flamante vencedor en Málaga, cuya presencia en la cabeza del cartel invita a pensar en una más que rentable carrera comercial, quizás la única destacada que se producirá a lo largo de este mes de mayo. A Casas le acompañan en el reparto María Valverde, Secun de la Rosa, Luis Callejo, Daniel Grao, Jesús Carroza y Eduardo Velasco, entre otros, dando forma así a uno de los estrenos más significativos del cine español en lo que llevamos de año que será difícil de juzgar desde un punto de vista crítico al tratarse de una cinta hecha con remiendos, donde han "metido mano" varios directores.

Mussolini va a morir, de Rafael Gordon.

También el 10 de mayo se producirá el estreno de la última película de Rafael Gordon (La reina Isabel en persona -2000-, Teresa, Teresa -2003-), cineasta a contracorriente y en modo alguno convencional, para el que hacer cine únicamente consiste en tener clara una idea y un actor. En el caso de Mussolini va a morir dos (y desconocidos): Miguel Torres y Julia Quintana. La película es una adaptación de la obra homónima escrita también por Gordon y explora las últimas horas que pasaron juntos el Duce y la que fuera su última amante, Claretta Petacci, antes de ser fusilados en 1945. Como en La reina Isabel en persona o en Teresa, Teresa, Gordon nos propone un ejercicio de aprehensión sobre una figura histórica, mundialmente conocida, para obligarnos a entablar una batalla ante el paradigma del ser humano, con el pretendidamente humanizado retrato del creador del fascismo en Italia. En palabras del mismo director: "Mussolini va a morir no refleja la imagen de un símbolo o de un monstruo, nos habla del pequeño Mussolini que todo humano lleva dentro. Conocer nuestro instinto carnita y primitivo es el propósito de la película. Es un relato del ser humano baja extrema presión". La película, que ya fue presentada en las candidaturas previas a la pasada edición de los Premios Goya, por lo que no formará parte de la presente competición de 2013, se prevé otro de los innumerables "estrenos fantasma" a los que, lamentablemente, estamos tan acostumbrados en nuestra cinematografía.

El cosmonauta, de Nicolás Alcalá.

Mucho hemos venido hablando últimamente del revolucionario sistema de financiación llamado crowdfunding, sobre todo desde el estreno en el Festival de Málaga de Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen, a la postre una de las triunfadoras del palmarés. Pues bien, el próximo 14 de mayo se estrena, en los Cines Callao de Madrid, El cosmonauta, de Nicolás Alcalá, un largometraje que llega para revolucionar (o eso intentará) el sistema de recaudación, producción y distribución convencional del cine en el actualidad. Financiada a través del ya célebre micromecenazgo, con el que desde una mínima aportación (dos euros) cualquiera podía convertirse en productor de la película, el proyecto arrancó hace ahora cuatro años, en mayo de 2009 y desde entonces, ha conseguido nada menos que 245.454,75€ de un presupuesto final de 462.340,00€ (que incluye la pertinente subvención del ICAA), con algo más de 5.000 inversores. Todo ello gracias a una intensa y brillante campaña promocional repartida en varios frentes, redes sociales y blogs, en la que además se ofrecía la posibilidad a los espectadores y fans del proyecto de copiar y modificar contenidos que se subían siempre bajo licencia creative commons, lo que quiere decir que la película ha ampliado el concepto de copyright permitiendo que, con algunas condiciones, la cinta se distribuya libremente, se copie, se remezcle y modifique originando nuevas obras utilizando su material original. Pero las novedades no acaban ahí, y es que aparte de tener cerrada ya su proyección en ciudades como Madrid, Barcelona, Los Ángeles, Nueva York, Minneapolis, Moscú, Ginebra o Londres, el próximo 14 de mayo, además, se subirá la película a Internet, para su visionado gratuito, dentro del sistema innovador y revolucionario por el que han apostado. El lanzamiento en DVD y Blue-Ray, según han anunciado, se producirá días después con una edición de lujo a un precio realmente bajo (que rondará los diez euros para el DVD y los 12-14 para el Blue-Ray). Y, en televisión, donde han de esperar entre 12 y 36 meses para programar una película anteriormente estrenada en cine, con El cosmonauta, en cambio, podrán hacerlo desde el primer día, barajándose la posibilidad de retransmitir en directo y de forma sincronizada la proyección en Madrid de la película. Rodada en inglés y con actores desconocidos para el gran público, está enmarcada a finales de los años 60, en plena carrera espacial entre soviéticos y americanos, y nos cuenta la historia del primer cosmonauta ruso que llegó a la Luna, no consiguió regresar y se le dio por desaparecido en el espacio. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, afirma que ha vuelto a la Tierra, pero que la ha encontrado vacía, sin un alma. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos.

La última isla, de Dácil Pérez de Guzmán.

Primer largometraje de la directora andaluza Dácil Pérez de Guzmán, La última isla llegará por fin a las salas comerciales el próximo 17 de mayo, tras ver retrasado su estreno durante varios meses (inicialmente previsto para finales del año pasado). Rodada a caballo entre Barcelona y la bellísima isla de El Hierro, producida por Fausto Producciones, Rainbow Videoproducciones y Sakai Films, cuenta la experiencia de Alicia, una niña mimada y egoísta loca por los videojuegos, a la que su madre decide mandar a una isla donde vive la vieja tía Belinda. Sin agua corriente ni electricidad, junto al mar y al pie de un volcán, Alicia teme que las vacaciones sean un muermo. Por añadidura, se rumorea que su tía es bruja, que hay un hombre que persigue dragones y dos niños muy raros, así como que algo extraño y magnético emana de la montaña. ¿Será Alicia capaz de sumergirse en el misterioso mundo de la isla? Los secretos y la magia están a la vuelta de la esquina. Film de marcado tono familiar, protagonizado por la niña Carmen Sánchez, conocida en la pequeña pantalla por sus trabajos en series de todo tipo, desde El internado hasta Acusados, cuenta con el apoyo en el reparto de un nutrido grupo de veteranos y sugerentes secundarios, de la talla de Julieta Serrano, Antonio Dechent o Eduardo Velasco, que con ésta suma su segunda película de estreno en cines este mes de mayo. Por desgracia, su inminente llegada a las salas no está levantando una excesiva expectación, lo que hace prever que estamos ante otro estreno, injustamente, limitado de nuestra cinematografía. Quizás, si su distribuidora hubiera sido más sagaz, el fijar la llegada a las salas de un producto fácilmente vendible para el consumo familiar en unas fechas coincidentes con alguna época vacacional (¿la pasada Semana Santa?) y no en un momento tan poco propicio como el aletargado mes de mayo, cinematográficamente hablando, a lo mejor le hubiera garantizado una más que digna vida comercial.

Chaika, de Miguel Ángel Jiménez.

Atípica co-producción entre España, Georgia y Rusia, segundo largometraje de Miguel Ángel Jiménez tras su ópera prima Ori (2009), bastante bien recibida por la prensa especializada en el Festival de San Sebastián. Chaika es una historia de amor entre una prostituta y un marineno perdedor, reconstruida entre dos largas estaciones; el eterno invierno de Siberia y el verano en las polvorientas estepas de Kazajistan. El joven Tursyn regresa a casa para enfrentarse a lo que queda de su familia: un viejo nómada a punto de morir y un padre náufrago. Los dos harán emerger los vagos recuerdos que Tursyn tiene de su madre. Chaika es la aventura de unir esos recuerdos que la vida ha dejado dispersos en los páramos más recónditos de la tierra, casi en el fin del mundo. Suena a cine difícil, complejo y, desgraciadamente, también minoritario, lo que convierte a Chaika en otro de los títulos que, muy probablemente, conocerán una efímera carrera comercial, avalada por una casi inexistente presencia en los medios de comunicación, lo que podría provocar el que pasase completamente desapercibida y quedase condenada al olvido. Un reparto eminentemente georgiano, por consiguiente, absolutamente desconocido aquí, fomenta el grado de invisibilidad de la película a su llegada a los cines el próximo 24 de mayo.

La Estrella, de Alberto Aranda.

Basada en la novela homónima de la autora Belén Carmona, que además es coautora del guión del filme, narra la historia de Estrella, una mujer alegre, positiva, y demasiado generosa con los que la rodean. Junto a Salva, su novio de toda la vida, y a Trini, su amiga del alma, aparenta una felicidad que no es tal. Estrella cuida de todos... menos de ella. Y es que Estrella se ha olvidado de sí misma. Pero nuestra Estrella tiene duende, para el flamenco y para la vida, y pronto descubrirá que ella también tiene derecho a ser feliz. Ópera prima del habitual productor, La Estrella llegará a las salas el próximo 24 de mayo, avalada por los buenos comentarios suscitados en el pasado Festival de Málaga, en donde fue proyectada dentro de la sección no competitiva Málaga Premiere. No obstante, su mayor gancho de cara a la taquilla es el duelo interpretativo que parecen lidiar sus dos protagonistas femeninas: Ingrid Rubio, en lo que parece una formidable vuelta a los protagonistas cinematográficos, y Carmen Machi, en un papel más dramático de lo que nos tiene acostumbrados en su trayectoria cinematográfica. Las acompañan Marc Clotet, Carlos Blanco y Fele Martínez, también recuperado para la gran pantalla. Esperemos que el concurso de Rubio y, sobre todo, Machi, propicie a La Estrella una distribución mínimamente normalizada.

La estrella Clip

Fill de Caín (Hijo de Caín), de Jesús Monllaó Plana.

Ópera prima de su director, presentada dentro de la Sección Oficial del Festival de Málaga, donde ganó el Premio ASECAN a la mejor ópera prima, Hijo de Caín es un thriller sobre Nico Albert, un adolescente de carácter muy peculiar, inteligencia excepcional y una única obsesión: el ajedrez. Carlos y Coral, preocupados por la extraña actitud de su hijo, deciden contratar al psicólogo infantil Julio Beltrán. A través de la terapia y de la afición común al ajedrez, Julio se adentrará en el inquietante mundo de Nico y en las complejas relaciones de esta familia aparentemente normal. Descubrir la verdad a tiempo será la única opción para evitar que la esencia del mal acabe dominando sus vidas. Saludada con división de opiniones a su paso por el festival, está claro que estamos ante una cinta de género, parece ser que bastante bien construida en su aparato formal, aunque bastante previsible en el narrativo. Obtendrá adeptos en su estreno el próximo 31 de mayo, sobre todo entre los amantes del género y, más que nada, por tener a la cabeza del reparto al experimentado y siempre estupendo Jose Coronado, además en uno de sus siempre bien resueltos papeles oscuros y severos. A Coronado le acompañan esta vez Julio Manrique, María Molins (¡atentos, porque se dice que es la sorpresa de la cinta!), el veterano y mítico Jack Taylor y el niño David Solans, protagonista definitivo de la cinta. Rodada en catalán y español, tememos que su distribución se haga únicamente en su versión doblada íntegramente en castellano, lo que restaría puntos a una película que se presiente, por lo menos, interesante.

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¿Volverá a brillar "La Estrella" de Ingrid Rubio?

Nos hemos enterado que La Estrella, ópera prima en el largometraje del habitual productor Alberto Aranda, ya tiene cerrada su fecha de estreno para el próximo 24 de mayo. La película, un drama sobre una joven del extrarradio barcelonés, la Estrella del título, limpiadora alegre y optimista, que verá cómo su vida se transforma al conocer el drama personal que atraviesa Trini, compañera de trabajo y su mejor amiga, a pesar de la diferencia de edad. El amor, como vínculo dependiente entre personas que ya no tienen nada que ver la una con la otra, es el tema central de La Estrella.

Rodada en Santa Coloma de Gramenet, ciudad en el extrarradio de Barcelona, La Estrella podrá verse en el marco del reciente Festival de Málaga Cine Español, dentro de la nueva sección no competitiva que se ha creado esta edición para películas de próximo estreno y que lleva por nombre el significativo Málaga Premiere. Con La Estrella estamos de enhorabuena porque supone la vuelta a un personaje netamente protagonista de esa estupenda e intensa actriz que siempre ha sido Ingrid Rubio, quien tras una serie de películas no muy afortunadas en los últimos años, o con muy poca proyección, vuelve a la primera línea de una industria en la que todavía no ha encontrado papeles que la hayan consolidado como estrella autosuficiente (y han pasado ya más de 15 años desde que ganara el Goya revelación por Más allá del jardín (1996), de Pedro Olea). Su protagonismo en La Estrella quizás le ofrezca a tan desperdiciada actriz la oportunidad de oro para quedarse entre las grandes.

A Rubio, le acompañan en el reparto Carmen Machi, en el papel de Trini, Fele Martínez y Marc Clotet, en los personajes principales, y secundarios tan eficientes como Carlos Blanco, Fanny de Castro o Alfonsa Rosso. Film claramente feminista. Ni Martínez, en su regreso al cine tras sus últimas experiencias televisivas, ni Clotet brillarán en una cinta cuyo gran punto fuerte será el concurso de su pareja de actrices protagonistas. Machi, que va a estar muy presente en la cartelera durante este 2013 tras el pasado estreno de Los amantes pasajeros, de Pedro Almodóvar, y el esperado para finales de año de Kamikaze, de Álex Pina, puede que por fin decida priorizar su trayectoria cinematográfica, demostrando en La Estrella, de una vez por todas, lo gran actriz dramática que es.

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